Korg und Nigel Hall: Den eigenen Sound formen mit Nautilus, BX3 und ARP Odyssey

Nigel Hall eröffnet die Session mit spürbarer Ehrfurcht vor Korg und blickt zurück auf seinen Weg vom Keyboard-Magazin-lesenden Kind bis hin zu dieser Masterclass. Er stellt die Bedeutung von Kollaboration, Soundgestaltung und den prägenden Einflüssen seiner Karriere in den Mittelpunkt und schafft so eine Atmosphäre, die sowohl persönlich als auch praxisnah ist. Halls Einstieg dreht sich weniger um technische Daten, sondern vielmehr um die Haltung, die nötig ist, um bedeutungsvolle Musik zu machen – und betont, dass Auszeichnungen wie Grammys zweitrangig sind gegenüber dem Akt des Musizierens und Teilens.

Er holt das Thema schnell auf den Boden der Tatsachen eines arbeitenden Musikers: überfüllte Homestudios, eine vielfältige Instrumentensammlung und das ständige Austarieren zwischen Anspruch und verfügbarem Platz. Halls Ansatz ist erfrischend ehrlich – er sieht Instrumente nicht als Trophäen, sondern als Werkzeuge des Ausdrucks und ermutigt die Zuschauer, den Akt des Musikmachens über alles andere zu stellen. Diese Perspektive passt perfekt zu Korgs Musiker-Fokus, der praktische Kreativität über Showmanship stellt.

Hall hebt den Korg Nautilus als Eckpfeiler seines Live- und Studio-Setups hervor und betont dessen wachsende Bedeutung in seinem Workflow. Besonders das Nautilus 88 mit gewichteten Tasten ist eine neue Ergänzung seines Setups, dessen Spielgefühl und Vielseitigkeit er sofort lobt. Dass er gleich zwei Nautilus besitzt – einen für die Bühne, einen für zuhause – unterstreicht, wie sehr er sich auf dieses Instrument für Performance und Sounddesign verlässt. Auch wenn das Video nicht tief in die Architektur oder das Menüsystem des Nautilus eintaucht, lässt Halls Begeisterung erkennen, dass die Klangvielfalt und Spielbarkeit dieses Keyboards es zur ersten Wahl für komplexe, geschichtete Setups macht.

Halls Philosophie des Musikmachens wurzelt im aufmerksamen Zuhören und der reaktionsschnellen Zusammenarbeit. Er zieht eine klare Linie zwischen Studio und Bühne: Im Studio gibt es Raum, Momente zu perfektionieren und spontane Ideen auszubauen, während auf der Bühne der Zauber in Echtzeit eingefangen werden muss. Diese Dualität verlangt sowohl Aufmerksamkeit als auch Disziplin – besonders, wenn man von leistungsfähigen Geräten wie Nautilus, BX3 und ARP Odyssey umgeben ist.

Er betont, dass wahre musikalische Momente entstehen, wenn alle wirklich zuhören – sich selbst und einander. Halls Anekdoten über das Spielen mit Lettuce und seinen Ansatz zum Funk unterstreichen den Wert von Zurückhaltung und „Pocket“-Spielweise. Anstatt jede Lücke mit Noten zu füllen, plädiert er für Einfachheit und Zielgerichtetheit und nutzt das volle Klangspektrum seiner Keyboards nur dann, wenn es die Musik verlangt. Ein subtiler Hinweis darauf, dass selbst die fortschrittlichsten digitalen Instrumente am besten funktionieren, wenn sie dem kollektiven Groove dienen.

Hall spricht offen über den Einfluss seiner musikalischen Vorbilder, insbesondere George Duke, auf seine Entwicklung als Keyboarder. Er beschreibt den lebenslangen Prozess, Einflüsse zu verinnerlichen und dann über bloße Nachahmung hinauszugehen, um eine eigene Spur zu finden. Für Hall war die Erkenntnis entscheidend, dass niemand die Kunst eines anderen wirklich replizieren kann – so wie er nie George Duke sein kann und umgekehrt. Er ermutigt Musiker, ihre Inspirationen als Fundament und Antrieb zu begreifen, nicht als Begrenzung, und sie als Sprungbrett zur Selbstfindung zu nutzen.